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El trabajo con el actor // María Gowland

La Técnica Meisner es un entrenamiento actoral desarrollado por Sanford Meisner, uno de los miembros fundadores del Group Theatre de New York (junto a Lee Strasberg, Stella Adler, Uta Hagen). Esta técnica ayuda al actor a estar más conectado con otro actor, a responder a lo que sucede con la verdad del momento, a ‘salir de la cabeza’ y usar los instintos. 

Actores de la talla de Gene Hackman, Dustin Hoffman, Leonardo DiCaprio se han formado con Sanford Meisner. Directores como Elia Kazan, Sydney Pollack y David Mamet también entrenaron extensamente con él.

 


 

El taller está diseñado para ambos, director(a) y actor/actriz.

A los directores se les dará la base y experiencia práctica en ‘el trabajo con el actor’, en lugar de dirigir al actor. Se les brindará una serie de herramientas claras y concretas para que puedan aplicar en su trabajo. 

Los actores que participen en el taller aprenderán los principios básicos de la Técnica Meisner, entre ellos: cómo lograr una interpretación con verdad emocional, cómo actuar ‘en el momento’, cómo preparar una escena y construir un personaje de forma orgánica.

Se trabajará sobre la fórmula ‘aprender haciendo’, es decir, directores trabajarán a la par de los actores en el transcurso del taller.  

* No se hará diferencia entre la actuación para cine o teatro. Las técnicas están diseñadas para lograr, inadvertidamente, interpretaciones profundas y verdaderas. 

 

El taller cubre: 

– Práctica en ejercicios de repetición diseñados para forjar la conexión entre actores. 

– Improvisaciones diseñadas para eliminar intelectualización, convención teatral y explorar las reservas emocionales del actor. 

– Técnicas para que el actor personalice un texto y se prepare emocionalmente para una escena. 

– Construcción de un personaje a partir de la verdad emocional de la escena y no a partir de una ‘idea preconcebida’ del personaje.

– Trabajar una escena a partir de los conflictos esenciales contenidos en ella. 

– Los directores aprenderán a no temer a los actores, a valorar su contribución y a trabajar con ellos. 

– Tanto directores como actores aprenderán un vocabulario concreto con el cual manejarse en casting, ensayos, en el set o sobre el escenario. 

DURACIÓN: 

Jueves 10 a domingo 13 de octubre de 2019
4 sesiones | 32 horas | 11:00 a 20:00 h

COSTO: $3,500 MN

Descuento del 15% si pagas antes del 24 de septiembre o si has tomado otro taller en ESCINE.

Descuento del 50% si formas parte de la Comunidad ESCINE.

PROGRAMA     REGISTRO

 


SEMBLANZA

MARÍA GOWLAND se formó en artes visuales y audiovisuales, con un postgrado en Medios de Comunicación en la Universidad de Canberra, Australia. Tiene más de 25 años de experiencia en la industria audiovisual tanto en Argentina como en el exterior. Ha trabajado en las áreas de dirección, producción y fotografía. 

Ha trabajado con directores como: Walter Salles, Carlos Sorin, Fernando Spiner, Lucrecia Martel, Sergio Renan, Emanuel Crialese. En 2007 coordinó la Cátedra de Dirección de la Escuela Internacional de Cine y TV, (EICTV) Cuba y desde entonces complementa su trabajo en realización audiovisual con la docencia.

Ha formado junto con Stephen Bayly ‘Directing Arts’ y realizado este taller en varias ocasiones en Madrid, Bogotá, Buenos Aires, Panamá, Chile, Brasil y anualmente en la EICTV, Cuba.

 



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Puppet // Miguel Anaya

El taller propone aprender y realizar diferentes procesos en la fabricación de marionetas para animación stop motion a partir de su propio diseño. El alumno comprenderá y aplicará diversas técnicas para la fabricación de un personaje articulado, abarcando las etapas de diseño de personaje, escultura, realización de moldes, esqueleto vaciado y vestuario (utilizando materiales como silicón, madera, tela, alambre, hulespuma, etc) y realizará una prueba de movimiento animando y utilizando el software Dragonframe.

 


 

TEMARIO:


– Revisión de obras en animación stopmotion y sus detrás de cámaras (análisis y ejemplos prácticos)
– Diseño de personajes
– Materiales y herramientas
– Proporciones y escalas
– Escultura
– Diferentes tipos de esqueletos (alambre/ ball & socket)
– Volúmenes
– Definiendo las articulaciones para animación (partes estáticas vs móviles)
– Partes por sustitución
– Diseño de moldes (rígidos/flexibles) y vaciados
– Rigging, Tie downs e imanes
– Pintado y pigmentación
– Injertando cabello
– Vestuario
– Prueba de movimiento (animando el caminado con fondo de chroma)

RESULTADO:

Se realizará un personaje articulado para animación stopmotion (por persona) abarcando las etapas de planeación y producción hasta llegar a realizar una prueba de caminado frente a cámara. Es decir, el alumno saldrá con un personaje articulado listo para animarse en stop motion.

DIRIGIDO A:

Personas con perfil en artes visuales interesadas en conocer y realizar el proceso de fabricación de una marioneta para stop motion.

 

MATERIALES NO INCLUÍDOS

Para la primera clase es necesario llevar:

– 3 barras de plastilina escultor terracota
– Papel de estaño
– Pinzas
– Una base de madera de 20×20 cm
– 1 Plastiloka
– Estiques para plastilina
– Lápiz y papel blanco o cuadriculado para bocetar
– Una regla
– Vaselina

El resto de los materiales dependerán del tipo de personaje propuesto. 

El costo aproximado de los materiales puede variar entre $800 y $2000 MXN por persona.

DURACIÓN: 

10 sesiones | 8OCT – 7NOV 2019
Martes y jueves | 16:00 a 20:00 h
40 hrs (5 semanas)

COSTO: 

$3,500.00 (Materiales no incluidos)
El costo de los materiales dependerá del tipo de personaje propuesto. 

Puede variar entre $800.00 y $2,000.00 MXN por persona.

Descuento del 15% si pagas antes del 24 de septiembre o si has tomado otro taller en ESCINE.

Descuento del 50% si formas parte de la Comunidad ESCINE.

PROGRAMA     REGISTRO

 


SEMBLANZA

MIGUEL ANAYA BORJA estudió Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) y un diplomado de Cine, Arte y Comunicación. Adicionalmente, cursó talleres de guionismo y fotografía para cine en el Centro de Estudios Cinematográficos, además de composición digital, audio para cine, edición y artes plásticas en diversas sedes. Laboralmente se ha desempeñado en las áreas  de dirección de arte, diseño gráfico, publicidad, producción y animación. Impartió la materia de animación en la Universidad Iberoamericana plantel Santa Fe, Diseño Gráfico en la UAM AZC y talleres para niños y adultos en diversos estados del país.

Su primer cortometraje De la vista nace el amor fue exhibido en festivales de Europa, Norteamérica y Sudamérica. Obtuvo varios premios, como una mención del jurado en el Festival de Cartagena y el Ariel al mejor cortometraje de animación en el 2008.  

Su segundo cortometraje El armadillo fronterizo, fue nominado al Ariel, acreedor a la Diosa de Plata por mejor cortometraje y mejor animación en el Hollywood Film Festival. Ha sido seleccionado dos veces en el Talent Campus Guadalajara.

En 2010, obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA con la que realizó tres cortometrajes de animación: Tlacuache de Maguey, El color de mis alas y El último jaguar, nominados al Ariel 2015 y 2016 respectivamente y proyectados y premiados en varios festivales. Ha participado como jurado en convocatorias de cine y animación en el país y el extranjero. A la fecha, cuenta con ocho cortometrajes como realizador y seis como productor designado en cortometrajes producidos por el IMCINE.

 



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Hacer poesía con la verdad // Paula Markovitch

CLASE MAGISTRAL | DOS SESIONES

DURACIÓN: 

Jueves 7 y viernes 8 de noviembre 2019.
Dos sesiones | 17:00 a 20:00 h

COSTO:
$1,000.00 MN

SEDE
ESCINE
Mesones 54, Centro Histórico, CDMX.

REGISTRO     TEMARIO

 

“En un diálogo me propongo compartir con jóvenes artistas algunas de mis investigaciones e interrogantes, y pensar juntos en el gesto artístico, como resquicio de salvación. El arte que nos permite a veces volver a mirar por primera vez el mundo.

En mis obras, como escritora y directora de cine, he investigado la experiencia viva como sustancia creativa. Mi propósito no es únicamente “contar historias basadas en hechos”, sino tomar elementos reales e incluirlos a modo de collage en una pieza: paisajes, personajes, acontecimientos, sonidos, biografías…

Hay en mi obra una búsqueda de elementos verdaderos y vivos, que resulta cercana al documental. Mi propuesta es partir de algunos elementos reales y construir con ellos una composición poética, arribar a un nuevo universo. Lo verdadero no es entonces el propósito final, sino el punto de partida de la construcción del camino creativo.”

 

Paula Markovitch

 


 

PRIMERA SESION. JUEVES 7 NOV
Hacer poesía tomando como punto de partida elementos verdaderos y vivos.

– La historia: El acercamiento a recuerdos reales a través de procesos poéticos.

– Actores: la experiencia viva y real de los actores como parte de la construcción del relato.

– Personaje y persona.

– La cámara: La cámara atenta a los regalos del azar, interpretando poéticamente un acontecer vivo y real.

– El arte: Los objetos de la escenografía y su pasado . Los objetos que cuentan historias verídicas.

– El sonido y la música: El ruido y las voces del paisaje . El ruido de una historia.

SEGUNDA SESIÓN. VIERNES 8 NOV
La mirada del mundo acerca de las obras.

– El arte y el mundo: Cada obra en diálogo con otras obras contemporáneas y pasadas. El cine y su diálogo con el acontecer real del mundo (Interrogantes).

– La selección: Los procesos de legitimación del cine del presente. El premio y el rechazo como dos caras de la misma moneda.

– Las expectativas culturales: Lo que se espera de las películas según su región de procedencia.

– El derecho a la singularidad para los personajes latinos y africanos: ¿Todos los pobres son iguales? Un derecho muchas veces negado, al personaje pobre: tener rasgos singulares, diferentes, caprichosos, delirantes, inteligentes y únicos. Personajes latinoamericanos y africanos muchas veces ahogados y sólo definidos por su circunstancia.

– La esperanza: El arte como resquicio para rescatarnos de las circunstancias y de nuestras propias limitaciones. El arte que nos permite a veces, volver a mirar por primera vez el mundo.

 


SEMBLANZA

Paula Markovitch es una directora y guionista argentina, radicada en México, nacida el 28 de mayo de 1968, en Buenos Aires, Argentina. Cuando tenía 8 años, su familia se mudó a San Clemente del Tuyú y unos años más tarde se establecieron en Córdoba, donde, a partir de los 13 años, empezó a escribir cuentos y obras. Para los 22 años, Paula se mudó a la Ciudad de México, donde estudió cine y guion cinematográfico en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). A mediados de la década de los años 90, la joven escribió el guion de la cinta Sin remitente (1995), la cual encontró su director en Carlos Carrera. Su siguiente proyecto fue la película Elisa antes del fin del mundo (1997). En los años siguientes, la guionista fue responsable de cintas como Al borde (1998), Temporada de patos (2004) y Dos abrazos (2008). Debuta como directora con la cinta, también escrita por ella, El premio (2011). Seis años más tarde volvió a la dirección con Cuadros en la oscuridad (2017) y El actor principal (2019).

 



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Soundtrack Low Cost // Eduardo Svart

Al modo HAZLO TÚ MISMO (DIY), descubre las distintas posibilidades que existen para realizar la banda sonora de tu proyecto audiovisual.

El taller propone trazar un panorama del proceso de creación de la banda sonora de un producto audiovisual y ofrecer herramientas sencillas y de bajo costo pensando en el contexto de los estudiantes de cine.

A través de ejercicios prácticos, el estudiante podrá acercarse sin temor a musicalizar o ambientar su propia película. De manera colectiva, se explorarán bibliotecas de sonidos de internet para manipularlos con parámetros sencillos del editor de video y crear un ambiente sonoro original, libre de derechos y gratuito.

Revisaremos la amplia gama de alternativas que existen para la realización de la banda sonora de un producto audiovisual, desde lo gratuito hasta la mega producción, revisando costos, fuentes, tipos de licencia y derechos de autor.

Durante la sesión, se abrirá un espacio para escuchar y resolver inquietudes necesidades de los proyectos de los participantes.

 


 

OBJETIVOS:

– Reconocer las diferentes etapas del proceso de creación de banda sonora de un proyecto audiovisual.

– Revisar herramientas sencillas y de bajo costo que se ofertan en la web para manipular y jugar con el sonido y la música.

– Explorar las posibilidades de las bibliotecas de audio, apps, samples, texturas sonoras y secuencias rítmicas para musicalizar y ambientar un proyecto audiovisual.

– Comprender la lógica de los filtros de búsqueda y los tags en las bibliotecas de audio.

DIRIGIDO A:

Estudiantes de cine, animación, comunicación y carreras afines.

RESULTADOS:

El estudiante tendrá un panorama más amplio sobre las alternativas de bajo costo para realizar la banda sonora de un proyecto audiovisual y  participará en la realización de un ejercicio colectivo de ambientación sonora.

FECHA:

Lunes 23 de septiembre de 2019
Única sesión | 16:00 a 20:00 h

COSTO:

$300.00 MN

  REGISTRO

 


SEMBLANZA

Eduardo Svart (Santiago de Chile, 1987). Músico y psicólogo chileno. Clarinetista, compositor e intérprete de música popular. Como músico ha colaborado en diversos proyectos artísticos e interdisciplinarios. Ha indagado en la creación de música para diversos formatos audiovisuales: películas, documentales, series de televisión, animación, trailers y publicidad.

 



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Imagen de la colisión inminente // Arturo Hernández Alcázar

El TALLER DE MEDIOS INESTABLES, PRÁCTICAS EXPERIMENTALES Y DESARROLLO DE IDEAS se propone como espacio para compartir y desarrollar ideas y proyectos creativos que busquen asociarse a medios y lenguajes experimentales. El objetivo será acompañar la construcción y desarrollo de una idea y llevarla al punto de producción realizable.

Este acompañamiento propondrá ejercicios prácticos en busca de orientar a los participantes hacia reflexionar problemáticas complejas, concretar ideas y desarrollar procesos creativos personales desde un enfoque crítico e informado.

El taller se desarrollará mayormente en las instalaciones de ESCINE y se realizarán salidas programadas dentro del Centro Histórico.


TEMAS:

Arte, Cine, Experimentación, Instalación, Acciones, Contexto y Sitio Específico, Dibujo, Cuerpo, Pensamiento Crítico, Procesos Creativos.

OBJETIVOS:

-Acompañar y desarrollar proyectos e ideas a través del acercamiento, la práctica y revisión histórica de medios y lenguajes experimentales en el arte, el cine y el pensamiento actual.

-Proponer marcos conceptuales analíticos y experimentales para el desarrollo de proyectos e ideas.

-Descubrir otras formas de hacer y conocer a través del análisis, la pulsión y el trabajo colectivo.

-Llevar a sus consecuencias posibles o imposibles proyectos creativos.

-Experimentar metodologías abiertas, tanto colectivas como introspectivas, así como formas de producción y distribución.

-Acercar campos de producción y de saber y propiciar un diálogo entre distintas prácticas.

DIRIGIDO A:

Estudiantes, artistas, cineastas y escritores jóvenes comprometidos con el desarrollo de un proyecto artístico personal e interesados en la experimentación con medios y lenguajes de las artes visuales, cine, artes del cuerpo, medios audiovisuales y otros.

REQUISITOS:

Todos los interesados podrán formar parte del taller. Para tener elementos e información sobre sus intereses, se les pide incluyan una breve carta de intenciones, proyecto o idea que les interesa desarrollar y una breve selección (carpeta) de trabajos creativos realizados anteriormente (en cualquier medio)

Disponibilidad de horario para todas las sesiones.

FECHAS:

Del 04SEP al 27NOV de 2019.

12 sesiones · Miércoles | 16:00 a 20:00 h

+ Presentación final de proyectos

COSTO:

$3,500.00 MN

Descuento del 15% si pagas antes del 19 de agosto o si has tomado otro taller en ESCINE.

Descuento del 50% si formas parte de la Comunidad ESCINE.

PROGRAMA   REGISTRO


SEMBLANZA

ARTURO HERNÁNDEZ estudió artes plásticas en la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado, La Esmeralda (1996-2001).

La obra de Arturo Hernández Alcázar se compone de los restos arrojados por procesos detonados en contextos y situaciones específicamente ligadas al sistema de producción, valor y representación imperante. Su trabajo transita entre la intervención específica, la escultura, la instalación las acciones y el dibujo y sucede a partir de derivas, investigaciones multifactoriales, acciones concretas en sitios específicos, colecciones de imágenes y encuentros azarosos.

Desde 1998 su obra se ha Mostrado en Museos, Galerías y otros espacios en México, Estados Unidos, Asia, América Del Sur y varias ciudades europeas. Destacan La X Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Estambul (2007); Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC (2010); Museo Amparo (2011); Museo de Arte Moderno (2011); San Francisco Art Institute (2011); Musée D’art Moderne de la Ville de Paris (2012); NGBK, Berlin (2013); La 5a Bienal De Moscú (2013); Casa del Lago, UNAM (2015); SWAB, Barcelona (2015); Torre De Los Vientos (2015); Kunstraum München (2016); Berlin Kunst-Bethanien (2016); Voorlinden Museum (2017); Museo Experimental, El Eco (2017); Laboratorio Arte Alameda (2018) y el Instituto de México en Madrid (2019).



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Film Studio 35mm // Ernesto Baca y Manuel Bascoy

Film Studio 35mm // Ernesto Baca y Manuel Bascoy

La representación tonal de la imagen cinematográfica digital actual mantiene sus bases conceptuales, tanto estéticas como tecnológicas, en la cinematografía clásica analógica. Este taller propone acercarse a los procesos de la imagen fotoquímica.


OBJETIVOS:

Comprender cómo se origina la imagen fotoquímica, qué particularidades estéticas tiene el soporte que marcó los primeros 100 años de cine y por qué su vigencia es inagotable.

Adquirir métodos y procesos de trabajo, estrictos y protocolares propios de la cinematografía analógica, conocer las mecánicas laborales que rigen en la gran industria a través del entendimiento orgánico de la práctica cinematográfica clásica.

Profundizar en técnicas de revelado y procesos de laboratorio como digitalización y conservación de film y realizar un recorrido integral por cada uno de los procesos. 

Evaluar una copia digital DCI DCP vs. 35 mm en optical print.

DIRIGIDO A:

Estudiantes avanzados de carrera de cine y audiovisuales.  Profesionales noveles o con formación única en cine digital.

RESULTADOS:

El participante comprenderá los procesos que la industria requiere para operar tecnología cinematográfica de alta gama y se acercará al conocimiento técnico y cinematográfico desde su raíz.

REQUISITOS:

Conocimientos previos sobre fotografía e iluminación.

FECHAS Y SEDES:

CAMBIO DE FECHAS

7, 8 y 11 de septiembre de 2019.
3 sesiones · 2 sedes

ESCUELA SUPERIOR DE CINE

Mesones 54, Centro Histórico, CDMX

Sábado 7SEP | 10:00-14:00  y 16:30-20:30 h

Domingo 8SEP | 12:00-16:00  y 17:00-21:00 h

LABO DIGITAL

Avenida Division del Norte 3203, La Candelaria

Miércoles 11SEP | 11:00 a 15:00 h

COSTO:

$5,460.00 MN

Descuento del 15% si has tomado otro taller en ESCINE.

PROGRAMA   REGISTRO


SEMBLANZAS

ERNESTO BACA y MANUEL BASCOY (ADF), juntos reúnen más de una década de enseñanza en instituciones tales como Universidad de Palermo, Universidad del Cine (FUC) , CIEVYC, SENA (Colombia) y Arte7 (Mexico). En conjunto han realizado innumerables colaboraciones en diversidad de proyectos relacionados con el mundo analógico, tales como videoclips, cine y publicidad.

En la actualidad trabajan como dupla de realizadores en CMDX.



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Horizontes y fronteras de los medios audiovisuales // Christian Rivera

Una reflexión sobre algunas de las formas en que actualmente se experimentan y se extienden las artes audiovisuales. ¿Cuáles son sus características, desarrollo y posibilidades? ¿Cómo pueden afectar al espectador y la sociedad? ¿Cuáles son las relaciones y diferencias entre las diferentes artes y medios audiovisuales, los usos más comunes (y otros no tan comunes) que se les han dado?

 


 

OBJETIVOS:

Dar a los participantes referentes teóricos, conceptuales e históricos para entender y reflexionar sobre la importancia, uso y posible desarrollo de las artes y medios audiovisuales.

 

DIRIGIDO A:

Creadores audiovisuales, cineastas, comunicólogos, artistas, críticos, filósofos, psicólogos, sociólogos, programadores de videojuegos, y cualquier persona interesada en entender y reflexionar sobre el papel y posibilidades de los artes y medios audiovisuales.

 

RESULTADOS:

Al finalizar el curso, tendrás una visión mucho más amplia y elaborada del funcionamiento e impacto de las artes y medios audiovisuales en el espectador y en la sociedad.

REQUISITOS:

Cualquier persona interesada en pensar, cuestionar, discutir y analizar ideas complejas y polémicas. Será necesario poder leer y comprender textos en inglés pues una buena parte de los textos a analizar no cuentan con traducciones al español.

 

FECHAS:

Del 28 de agosto al 13 de noviembre de 2019.

12 sesiones · Miércoles | 17:00 a 20:00 h

 

COSTO:

$2,500.00 MN

Descuento del 15% si pagas antes del 7 de agosto o si has tomado otro taller en ESCINE.

PROGRAMA   REGISTRO

 


SEMBLANZA

CHRISTIAN RIVERA estudió la Licenciatura en Cinematografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica y obtuvo el grado de Maestría en Bellas Artes (MFA) en Concordia University en Montreal, Canadá. Además de desarrollar una profunda pasión y tenaz práctica por la creación de imagen en movimiento, desde muy joven se interesó y estudió por su cuenta psicología, sociología y filosofía. Durante 20 años se ha especializado en la concepción y producción de imagen en movimiento, ya sea registrada con una cámara o generada por computadora, ha colaborado creando la imagen para gran variedad de proyectos; ficción, documental, animación stop motion, CGI, cine experimental, series y comerciales de televisión, videoclips, teatro, conciertos, video arte, video instalación y más recientemente, realidad virtual. Además de impartir cursos cortos ha impartido clases a nivel universitario en México y Canadá desde 2008. Durante los últimos años ha buscado utilizar los medios audiovisuales con fines educativos y humanitarios. 

 



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I–Doc // Luis Arenas

Descubre los diversos medios de expresión: fotografía, video, audio y narrativa para generar una obra documental interactiva en conjunto.

El resultado será una obra documental y online que reflejará una problemática tanto de su entorno social como personal. Dicha obra quedará abierta dando la posibilidad a los alumnos de continuar con el proceso creativo una vez finalizado el taller.

Puedes ver un ejemplo en: I–Doc Zócalo

 


 

OBJETIVOS:

A través del trabajo en equipo, de la continua discusión y diálogo entre el grupo se generará un proyecto documental interactivo con videos, fotografías y audios, como reflejo de las inquietudes e historias de quienes participan y de su entorno social.

El proyecto se subirá a una plataforma web que permita la interacción y quedará abierto dando la posibilidad de continuar con el proceso creativo una vez finalizado el taller.

Durante las sesiones se enriquecerá la mirada reflexiva personal (de sí mismo y del otro) y social (de su entorno) a través de la apropiación y resignificación del uso que se le da a los medios y herramientas tecnológicas.

 

DIRIGIDO A:

Jóvenes entre 15 y 25 años de edad.

REQUISITOS:

Preferible tener acceso a celular con cámara de fotos y video y/o cámara de fotos y video.

Carta compromiso de participación y asistencia al 80% de las sesiones.

 

FECHAS:

Del 16 de julio al 22 de agosto

12 sesiones · Martes y Jueves | 16:00 a 20:00 h


Este taller es gratuito y de cupo limitado, forma parte del Laboratorio de Ciudadanía Digital, una iniciativa del Centro Cultural de España en México, Fundación Telefónica México, “la Caixa” Foundation y el Ateneo Español.

 

PROGRAMA   REGISTRO

 


SEMBLANZA

LUIS ARENAS LÓPEZ. 33 años. Vive en la Ciudad de México aunque nació en España. Cineasta de documental y ficción, trabajó en diferentes formatos y plataformas. Trabaja como director, guionista y productor. Sus trabajos se han exhibido en festivales de internacionales de cine (Corea del Sur, Estados Unidos, Guadalajara, Morelia) y en canales de televisión (Canal MGM, Canal 22 y Televisa Interactive Media).

 

Conoce su trabajo en:
https://luisarenaslopez.com/

 



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Afinar el trazo // Alejandra Moffat

El taller es de carácter teórico práctico y busca aportar con técnicas de análisis y reescritura a personas que estén escribiendo un guion de cortometraje.

 


 

OBJETIVO:

Conocer y aplicar las herramientas que hacen posible la reescritura de un guion de cortometraje para  mejorar y potenciar la estructura de lo que estamos escribiendo y de futuros proyectos.

 

DIRIGIDO A:

Escritores, cineastas y público en general que esté escribiendo un guion de cortometraje.

Personas interesadas en potenciar la estructura y tono de un guion de cortometraje a través de su análisis y reescritura.

 

REQUISITOS:

Tener conocimientos sobre la escritura audiovisual.

Contar con un guion de cortometraje propio.

Las personas que se inscriban al taller deben contemplar la lectura de los otros proyectos postulantes.

RESULTADOS:

Diagnóstico del funcionamiento del guion y elaboración de un plan de reescritura efectivo que contemple un desarrollo pleno y alcanzable del proyecto.

 

FECHAS:

Del 23 de julio al 15 de agosto de 2019
8 sesiones · Martes y jueves | 16 a 20 h

 

COSTO: $3,000.00 MN

 

Inscríbete y aparta tu lugar con $1,000 MXN.

Descuento del 15% si has tomado un taller en ESCINE anteriormente y si pagas antes del 1 de julio.

· CUPO  LIMITADO A 12 PERSONAS ·

VER PROGRAMA     REGISTRO

 


SEMBLANZA

 

ALEJANDRA MOFFAT (Chile, 1982) es escritora. guionista y asesora de guion en películas de ficción, animación y documental producidas en Chile, Argentina, México, Colombia, Uruguay, Francia y Alemania. guionista de Las cartas que escribí y nunca envié de José Luis Torres Leiva. Coguionista de las películas La casa Lobo de Joaquín Cociña y Cristóbal León y Une histoire sans destin de Enrique Ramírez. Asesora de guion de La camarista de Lila Avilés, Rey de Niles Atallah, Carne de Dios de Patricio Plaza, Yugo de Carlos Gomez Salamanca, entre otras. Las películas en las que ha trabajado han sido premiadas en festivales internacionales como Berlinale, Rotterdam, FICUNAM, Marrakech Film Festival, Morelia, Habana Film Festival, Cinema Tropical, Aneccy, entre otros.  Y seleccionadas en los festivales internacionales como San Sebastián, Toronto, Cartagena de Indias, Lima Film Festival, BFI London. Ha sido ganadora de la Muestra Nacional de Dramaturgia de Chile en dos ocaciones con las obras Buffalito que camina con jeans apretados y chaqueta de cuero y Recuerdos de cosas que duelen.  Entre sus publicaciones destacan la novela El hacedor de camas (Sangría, 2011), en Instantánea Relación de la misma editorial, La heredera Mei Alison Yang (2017), y Tres fragmentos de Yordan (Ventana Abierta, 2017). 

 



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Rotoscopio // Elena Pardo y Rodrigo González

Conoce a fondo el rotoscopio, una técnica de animación que consiste en dibujar cada fotograma de una secuencia de imágenes sobre un soporte original.


OBJETIVOS:

El taller se divide en dos partes, una teórica y otra práctica, y como resultado final del taller se animará de forma colaborativa un videoclip que los propios estudiantes seleccionarán previamente.

Se partirá de una secuencia de un videoclip existente, que será convertida en secuencia de imágenes sobre papel. Se harán diversas intervenciones sobre el papel, se fotografiarán o escanearán los resultados para crear al final un video colectivo.

DIRIGIDO A:

Cualquier persona interesada en explorar habilidades en animación, jugar con materiales y artes plásticas, con gusto por la música.

RESULTADOS:

El taller se divide en dos partes, una teórica y otra práctica, y como resultado final del taller se animará de forma colaborativa un videoclip que los propios estudiantes seleccionarán previamente.

FECHAS:

Del 16 de julio al 8 de agosto

8 sesiones · Martes y Jueves | 16:00 a 20:00 h

COSTO: $3,000.00 MN

Inscríbete y aparta tu lugar con $1,000 MXN.

Descuento del 15% si has tomado un taller en ESCINE anteriormente y si pagas antes del 1 de julio.

· CUPO  LIMITADO·

VER PROGRAMA     REGISTRO


SEMBLANZAS

ELENA PARDO es una artista audiovisual que vive y trabaja entre el estado de Oaxaca y la Ciudad de México donde se ha posicionado como una de las cineastas representantes del cine experimental, combinando la realización de documentales,  cine expandido y animación.

Ha realizado animaciones para para los músicos Lila Downs y Los Pellejos; para los artistas plásticos Demián Flores y Francis Alÿs o para proyectos como Ambulante, Oaxaca Cine  o la Feria del Libro de Oaxaca. Sus cortometrajes han sido proyectados en festivales y muestras en México, Turquía, España, Francia, Estados Unidos, Colombia, Canadá y Corea.

Es además cofundadora y actualmente directora del Laboratorio Experimental de Cine (LEC), proyecto artístico dedicado a la divulgación, producción, enseñanza y programación de contenidos en formatos fílmicos.

Desde el 2010 ha combinado su carrera artística con la de gestión de colaboraciones de artistas mexicanos y extranjeros de cine experimental: programación de presentaciones en vivo y proyección de películas, docencia, así como tutorías a nuevas generaciones de jóvenes cineastas.  

Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA).

RODRIGO GONZÁLEZ BERMEJO es Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, Maestro en Dirección y Diseño de Proyectos Expositivos por la Universidad Pompeu i Fabra de Barcelona/Elisava y Experto en Comunicación y Arte por la Universidad Complutense de Madrid.

Especialista en animación, cine y videoarte, es promotor y gestor de espacios de reflexión, exhibición y difusión del audiovisual en Iberoamérica. Actualmente es Director de ANIMASIVO – Festival de Animación Contemporánea de la Ciudad de México (https://www.animasivo.net), primer espacio dedicado exclusivamente a la imagen animada en el país. Ha sido maestro de cátedra en las universidades mexicanas TEC de Monterrey, Universidad de la Comunicación y Universidad Claustro de Sor Juana, impartiendo las materias Historia de la Animación, Actuación para Animación y Diseño y Gestión de Proyectos Culturales.

Curador de un buen número de ciclos de cine de animación entre los que destacan: Animæntary; Urbe et anima; La huella animada; Contorsionismos; Intergaláctico; Estados Alterados; Pictorialismo, Una Década de Resistencia Visual, Animadores en la Diáspora; Trazos de Realidad o La acústica del pixel.

Ha sido jurado en diferentes festivales de cine: Macabro (CDMX, 2018), Festival Internacional de Cine de Costa Rica (San José, 2017), CutOut Fest (Querétaro, 2014) o Shorts Shorts México (CDMX, 2014). Ha presentado sus textos en diferentes publicaciones y webs como Cinemanía, Mincho Magazine, Rolling Stone, Indie Rocks!, Cinema Uno, On Madrid, Animasiva, Linea Curve o Pixelatl.